El arte de estar solos, juntos

OMAHA — Swish, swish... whooooosh... sccccraape-THUD, thump-THUD. Los sonidos de la animación pintada a mano de Lilli Carré “Glazing” (2021) flotaban en el aire mientras caminaba por Presencia en la pausa: la interioridad y su inmanencia radical, una exposición colectiva de pinturas de “interiores”. El vídeo se une a una selección de obras expuestas en el Centro Bemis de Arte Contemporáneo que utilizan figuración, retratos y escenas domésticas para representar espacios físicos y psicológicos y, a menudo, la inseparabilidad de ambos. El paisaje y el lenguaje también se cuelan, como es sabido.

La exposición abarca dos galerías, lo que significó que para ver la muestra completa, tuve que cruzar el pasillo que divide el edificio cerca de la entrada. Este pasaje es uno de varios ejemplos a lo largo del programa que enfatiza la experiencia física de la pausa: estar en lugares donde el tiempo y la memoria se aflojan, dando paso a lo que sigue.

La animación de Carré toma como tema algunas de las famosas representaciones de mujeres de la historia del arte occidental, todas obras de arte realizadas por hombres. Una figura de cabello oscuro y piel rosada se mueve rápidamente a lo largo del encuadre, transformándose de una pose familiar a la siguiente, deteniéndose brevemente entre cada una y ocasionalmente chocando, aplanándose y deslizándose hacia abajo con una pared invisible. El efecto es fascinante. Continuar interactuando con la mirada masculina, una mirada histórica, me dejó preguntándome si trabajos como estos perpetúan tales problemas y cuándo finalmente terminaremos con todo eso. Pero la pieza es un poco irresistible. El ritmo audible de los movimientos de la figura se convirtió en una banda sonora a medida que avanzaba por la exposición, recordando a veces la caída del micrófono, una referencia que puede ser intencional o no, pero que infundió un poco de humor negro bienvenido.

Varias pinturas evocaban una sensación de estar en un lugar cercano, abarrotado por uno mismo y sus pensamientos personales en lugar de otras personas y sus negocios. Las tres composiciones de Celeste Rapone de una mujer, posiblemente angustiada, colocan su cabeza y sus extremidades contorsionadas contra los límites del lienzo, compitiendo por el espacio entre una mesa, un carillón de viento y cuchillos. Otras obras muestran enredos con familiares e historias, algunas bienvenidas y otras obligatorias. El tiempo parece desplegarse y colapsar simultáneamente en los dinámicos y coloridos paisajes planos de Andrea Joyce Heimer que imaginan capas de memoria. Los animales, las personas, los incendios, los tiroteos, la agricultura, las discusiones, el amanecer, el atardecer y más se activan en estratos de relaciones y negociaciones.

Las figuras de Danielle McKinney en “Crepúsculo” (2021) y “Calvario” (2022) me atrajeron por su quietud, sus ricas paletas de colores y su manejo de la pintura, todo lo cual establece exquisitamente espacios interiores de naturaleza personal: marrones profundos y suaves, aterciopelados. azules y dorados, y reflejos de esmalte de uñas rosa salmón. Y luego están las brasas brillantes y el vapor gaseoso de una mujer fumando. ¿Hay algo más que capture tan completamente el estado de ánimo de tomarse un descanso, unos minutos robados de contemplación e introversión?

La obra de medios mixtos a gran escala de Kathy Liao “Without” (2018) muestra tres figuras durmiendo en una cama, sugiriendo evocadoramente la distancia que a menudo sentimos de las personas cercanas. Quizás las figuras representen tres generaciones de familiares u otros seres queridos, o incluso tres fases diferentes de una vida singular. El uso selectivo que hace Liao de colores cálidos dentro de la escena en blanco y negro llama la atención sobre cómo la memoria y la conciencia personales activan nuestras vidas pero siguen siendo inaccesibles para quienes nos rodean.

“All the Crossed Out” (2021) de Maia Cruz Palileo me dio una nota personal inesperada. En la pequeña pintura, más bien un estudio, el rostro de una mujer joven se representa a través de trazos de pinceladas negras y espesas en sus ojos, nariz y boca. Sus dedos se ciernen cerca de su boca mientras mira a través de la habitación, un libro apoyado entre su pecho y la mesa donde está sentada. Siempre me ha fascinado el gesto común de llevarnos las manos a la boca (tal vez pellizcarnos la piel o mordernos las uñas) mientras estamos sumidos en nuestros pensamientos o en momentos de angustia. Es como si estuviéramos aferrándonos al lenguaje. Mis propios dedos y pulgar cayeron de mis labios mientras giraba la cabeza de la pintura para leer uno de los extractos de la colección de escritos de Molly Prentiss, FEED, presente a modo de vinilo de pared: Me olvidé de mirar por la ventana hasta EOD….

El aislamiento que trajo la pandemia de COVID-19 y sus estragos en nuestras vidas y relaciones continúan resonando. La presencia en la Pausa tiene que ver sin duda con esa experiencia ampliada. Pero la exposición va más allá de una simple lectura de cómo era estar en nuestros espacios domésticos durante el encierro o cómo se sentía (y se siente) crear nuestro propio espacio, incluso si ese espacio está en nuestra cabeza. Aquí no hay encierro, no hay locura. Cada obra destaca la agencia en las vidas que representa, una visión de cómo se siente estar solo, juntos.

Presencia en la pausa: interioridad y su inmanencia radical continúa en el Centro Bemis de Arte Contemporáneo (724 South 12th Street, Omaha, Nebraska) hasta el 17 de septiembre. La exposición fue curada por Rachel Adams, curadora en jefe y directora de programas.

Nota del editor:El Centro Bemis de Arte Contemporáneo proporcionó viajes y alojamiento en relación con la exposición.

Nancy Zastudil es una editora, escritora y curadora independiente que trabaja por una representación equitativa en las artes. Edita regularmente libros de artista y catálogos de exposiciones, y escribe sobre arte visual para... Más de Nancy Zastudil